La paternidad en el cine

Abnegados y despreocupados, ausentes y agobiados, primerizos y en el ocaso, así nos ha mostrado el séptimo arte a la figura paterna en diversas partes del mundo. Aquí un resumen de algunos filmes donde los padres han sido piedra angular del desarrollo de la historia o han acabado con ella.

Matt King (George Clooney)

Película: Los descendientes

Año: 2011

Director: Alexander Payne

Basado en la obra de la escritora hawaiana, Kaui Hart Hemmings, el filme nos presenta al patriarca de una familia de clase media alta, Matt (Geroge Clooney) que se ve envuelto en una serie de situaciones poco esperadas para quien creía tener una familia modelo, a la que por cierto le prestaba poca atención. Su esposa yace en un hospital luego de un accidente y un secreto es revelado cambiándole el panorama completo de la dinámica familiar. En su trayecto por buscar una respuesta, tiene de lidiar con sus rebeldes hijas y su juzgador suegro. Matt debe luchar con su amor propio para no desencadenar más terremotos emocionales.

George Clooney hace una de sus mejores interpretaciones de su carrera en este filme, sobretodo en una de las escenas finales, donde pone a prueba la capacidad de resilencia de alguien que decide perdonar. Por este papel, Clooney obtuvo un Globo de Oro y una nominación al Óscar a mejor actor.

Alexander Payne, quien suele retratar muy bien a las familias estadounidenses, obtuvo una segunda nominación (de las 3 que tiene a la fecha) al Óscar a mejor director y se llevó la estatuilla por mejor guion adaptado.

Billy Flynn (Jon Voight)

Película: El campeón

Año: 1979

Director: Franco Zeffirelli

El italiano, Franco Zeffirelli, decidió hacer un remake del filme homónimo de 1931, dirigido por King Vidor, y encontró al actor perfecto para personificar al personaje principal de una de las películas más tristes de todos los tiempos.

Billy Flynn es un padre soltero cuyo pequeño hijo sigue a todos lados con admiración, llamándolo "campeón", por su pasado en el boxeo. Pero no, esta no es una película de boxeadores, de hecho solo en los minutos finales se escenifica una pelea en el ring. Es una película que muestra la frustración de un padre que no puede darle un mejor futuro a su hijo y la culpa de una madre que llega tardíamente reclamando potestad. El progenitor debe elegir entre seguir siendo un padre con carencias o entregar a su hijo para un mejor futuro.

Jon Voight estuvo nominado al Globo de Oro a mejor actor dramático por este filme, pero fue Rick Schroder, por su papel del pequeño T. J. quien se llevó el premio a mejor actor de reparto.

David Sheff (Steve Carell)

Película: Beautiful Boy

Año: 2018

Director: Felix van Groeningen

Basada en la historia real de Nic y David Sheff, quienes escribieron sus vivencias en dos libros consecutivos, el filme nos presenta a un padre tratando de recuperar al hijo de su primer matrimonio caído en las garras de la drogadicción.

David, interpretado por un solvente Steve Carell, ayuda a su hijo a salir de ese mundo hasta que tiene que decidir entre su primogénito y la salud mental de su nueva familia. David toma drásticas decisiones, que no podrían ser juzgadas porque el guion narra muy bien el agobio que es vivir bajo la sombra de la drogadicción en una familia. La película culmina con un mensaje a favor de la lucha frontal contra las drogas que se ha convertido en una epidemia en Estados Unidos.

Por este filme, Timothée Chalamet, fue nominado al Globo de Oro y al BAFTA a mejor actor secundario. Completa el reparto Amy Ryan, como la madre de Nic y exesposa de David, quien anteriormente también fue pareja de Steve Carell en la serie "The Office".

Henry McHenry (Adam Driver)

Película: Annette

Año: 2021

Director: Leos Carax

La primera película en inglés del director francés Leos Carax, no podría ser menos convencional. Annette, es un anti musical, con una dirección de arte y un desarrollo de trama que así lo demuestra. Escenarios notoriamente falsos acogen a una pareja de esposos que son parte del show business, interpretados por Adam Drive como Henry McHenry, un humorista de Stand Up, y Marion Cotillard como Ann, una cantante famosa. El caos dentro del matrimonio comienza cuando nace su hija, Annette, representada por una terrorífica muñeca de madera.

Annette, desarrolla habilidades para el canto luego de la muerte de su madre y el ambicioso y violento Henry ve en ella una mina de oro Nunca un personaje en un musical fue tan detestable como el personificado por Driver, quien se vuelve un monstruo al que la cultura de la cancelación persigue, quitándole lo más preciado que tiene, el éxito.

De hecho, esta no es una película para disfrutar, la polémica en torno a ella se basa en que es difícil de ver, ya que no es lo que esperamos de un musical, además visualmente también es agobiante. Un digno filme para abrir el Festival de Cannes, cuya parrilla de películas en competición suelen tener alguna que otra película abrumadora.

Por esta bizarra película, Leos Carax se llevó el premio a mejor director en el Festival de Cannes y Marion Cotillard fue nominada al Globo de Oro a mejor actriz en una comedia o musical.

Calum (Paul Mescal)

Película: Aftersun

Año: 2022

Director: Charlotte Wells

Todo lo que sabemos de Calum, el padre de esta película, es a través de los recuerdos de su hija, Sophie, una niña pre adolescente que no logra interpretar las señales que envía su padre sobre su salud mental, obviamente por que a esa edad es imposible deducirlo. Para Sophie, la conducta de su padre es como los de los demás padres, pero tras él se esconde un sufrimiento silente que en algún momento explotará. Es la Sophie adulta la que trata de descifrar qué pasó en aquel último viaje que hicieron juntos a la exótica Turquía.

Calum, es un padre cariñoso pero callado, tiene inmensa mochila detras suyo que no se ve, o que trata de invisibilizar para no agobiar a su hija, quien se encuentra en una etapa decisiva de su vida. Calum no sabe como ha llegado a los 30s teniendo tantos conflictos internos no resueltos.

¿Qué ocasionó que Calum no logre tener paz? no lo sabemos, porque, como dijimos, la visión que tenemos de él es a través de los recuerdos de su hija, que años después se sigue preguntando ¿Por qué, Papá?

"Aftersun", no es un filme fácil de ver, tiene muchos tiempos muertos y más que catarsis emocionales lo que vemos es una cotidianidad que puede sentirse cansina, para muchos espectadores. En cierta forma el espectador también comparte con Calum ese sentimiento de que aquí no pasa nada y esa búsqueda por respuestas que quizás también fue lo que llevó a Calum a tomar una fatídica decisión.

Por este filme, el irlandés Paul Mescal estuvo nominado al Globo de Oro y al Óscar a mejor actor. Y la elección para este rol no pudo ser mejor. Mescal con esos ojos tristes, le imprime bastante realismo a un padre afligido.

Dreverhaven (Jan Decleir)

Película: Carácter

Año: 1997

Director: Mike van Diem

En los años 20 en Rotterdam, Países Bajos, un agente tributario se encarga, sin ningún tipo compasión, de desalojar a familias enteras que contrajeron deudas producto de la recesión tras la primera guerra mundial. Dreverhaven, el agente, es un hombre sin una pizca de empatía, no tiene a nadie a quien querer más que a sí mismo y proyecta una imagen de superioridad que ya hubiesen querido tener algunos tiranos de la historia.

Como parte de esta repulsiva sensación de estar por encima de todos, Dreverhaven abusa de su empleada y de ese crimen nace Jacob Katadreuffe, un niño no reconocido sobre quien el padre volcará todo su crueldad forjada por años. Dreverhaven impulsa a su hijo a odiarlo, quizás para hacerlo tan duro como él lo es en la vida, con la falsa idea de que sólo las personas sin compasión pueden ser respetadas.

Jan Decleir interpreta magistralmente a uno de los padres más odiados de la historia del cine, en esta película que un clásico imperdible sobre la toxicidad de algunas relaciones familiares. El filme, basado en una novela del neerlandés, Ferdinand Bordewijk, obtuvo el Óscar a mejor película extranjera en 1998. Recomendadísima.

Ed Horman (Jack Lemmon)

Película: Desaparecido

Año: 1982

Director: Konstantinos Costa-Gavras

Ed, un hombre de negocios de Nueva York viaja al Chile de Pinochet para recuperar a su hijo desaparecido, Charlie. En el trayecto lo acompaña su nuera, Beth, con quien Charlie había viajado al país sudamericano. La dinámica entre dos personas tan distintas como Ed y Beth en medio de una coyuntura política agresiva marcan todo el filme. Ed no logra entender porque su hijo tomaba decisiones tan cuestionadas para el status quo en el que lo crió. Era su único hijo y ahora trata de encontrarlo física pero también emocionalmente.

Ed, por ser norteamericano, trata de recurrir a sus contactos y al mismo hecho de que su país no está en contra de la dictadura, pero nada de lo que hace echa frutos. Cuando las botas están en el poder, no hay razón que logre disuadirlas, sean aliados o no.

Todo un clásico en la filmografía de Costa-Gavras, por la cual ganó la Palma de Oro en el Festival de Cannes. Jack Lemon, como el pragmático padre, obtuvo también el premio a mejor actor en dicho festival, así como una nominación a mejor actor en los premios Óscar. Pero el gran trabajo en sí en esta película es el narrativo. Basada en la historia real de Charles Horman, el guion está a la altura del mejor cine político de Costa-Gavras. Un guion que se llevó el Óscar y el Bafta de ese año. Debido a la dictadura pinochetista, la película tuvo que ser filmada en México.

Giovanni Sermonti (Nanni Moretti)

Película: La habitación del hijo

Año: 2001

Director: Nanni Moretti

Conmovedor filme que narra la mayor de las tragedias de un padre, que es perder a un hijo. Nanni Moretti dirige y actúa en este filme que retrata el resquebrajamiento del núcleo familiar tras el duelo.

Giovanni, un padre de clase media del emergente norte italiano, trata de mostrarse fuerte ante la pérdida familiar, pero no puede. Lleva consigo un luto imposible de acabar aun cuando, por paradójico que suene, es un psicoanalista. Cae incluso en medio de su trabajo, llorando en frente de sus pacientes y decide dejar de trabajar con ellos, lo que ocasiona una serie de desilusiones y amarguras. Esta actitud hacia el trabajo tiene una razón, la cual esta relacionada a la culpa que siente el protagonista por haber preferido ir al trabajo en vez de acompañar a su hijo el día que falleció.

Giovanni no consigue la paz requerida y esta se transforma poco a poco en furia hacia su propia casa, hacia los objetos, hacia la cotidianidad.

Por este filme, Moretti se llevó la Palma de Oro y el Premio de la Crítica en el Festival de Cannes.

Steven Murphy (Colin Farrell)

Película: El sacrificio del ciervo sagrado

Año: 2017

Director: Yorgos Lanthimos

La sexta película de Yorgos Lanthimos es toda una sorpresa para los aficionados del cine de suspenso que limita con el terror. Lanthimos dirige la historia de una familia de clase media alta, cuyo patriarca es un cirujano que se ve envuelto en una trama que mezcla la mitología y el realismo mágico. Steven, el padre trata de proteger a su familia de un ente oscuro personalizado por un notable Barry Keoghan, cuyas facciones le imprimen realismo a un rol que requiere emanar un aura de misterio y psicopatía. Acompaña a Colin Farrel, Nicole Kidman como la madre de un hogar donde se hace realidad la ley del talión en su manera más extrema y sobrenatural.

Recomendadísimo este thriller que te dejara pensando por mucho tiempo luego de verla. Y es que Lanthimos no nos dice todo y es nuestro trabajo hilar la metáfora de esta tragedia griega moderna. El filme rinde homenaje, quizás sin saberlo, a dos grandes como Haneke y Kubrick. Lanthimos entrega un trabajo muy maduro que fue aplaudido por la crítica internacional.

La película ganó el premio a mejor guion en el Festival de Cine de Cannes.

Woody Grant (Bruce Dern)

Película: Nebraska

Año: 2013

Director: Alexander Payne

Nuevamente Alexander Payne nos trae la figura del padre a la pantalla grande. Esta vez, escoge hacerla en blanco y negro, que para nada le quita la belleza a los paisajes del medio oeste estadounidense, como metáfora del ocaso de la vida del patriarca de la familia Grant, integrada un padre anciano, dos hijos y una esposa tan irritante como entrañable.

Payne se luce en este filme con una dirección fría cuyos puntos cálidos se los deja al reparto, encabeza por el notable y galardonado actor Bruce Dern, padre de la también ganadora del Óscar Laura Dern, quien da vida a Woody, un viejo cascarrabias que decide emprender un viaje a para cobrar un supuesto premio de un millón de dólares. Ante su terquedad, el más joven de sus hijos, interpretado por Will Forte (uno de los miembros de la mejor época de SNL) decide acompañarlo y en el trayecto trata de descifrar quien es realmente su padre. Para mayor agobio se unen a esta road movie dramática pero con toques de comedia muy bien elaborados (como suele ser en el cine de este director), su esposa y su hijo mayor interpretado por Bob Odenkirk, el futuro Saul Goodman de "Better call Saul" (quien también fue guionista y actor de SNL, by the way).

Woody, la figura paterna que desenlaza toda la historia, es cruelmente sincero con sus hijos. En cierta escena afirma que nunca llegó a conocer que es lo que realmente hacían, aun cuando uno de ellos es un afamado presentador de televisión. Este es un retrato de los padres despreocupados que trataron siempre de huir de su familia, porque en el fondo nunca quisieron ser padres y tampoco esposos. La trama parecer dura pero el toque de comedia con tan buenos actores hacen de esta una película amena. No por algo estuvo nominada a 6 Óscar de la academia, entre ellos, la tercera nominación a mejor director para Alexander Payne.

Antonio Ricci (Lamberto Maggiorani)

Película: El ladrón de bicicletas

Año: 1948

Director: Vittorio De Sica

El cuatro veces ganador del Óscar y de la Palma de Oro de 1951 en el Festival de Cannes, Vittorio De Sica, dirige este dramon mediterráneo de la posguerra. Terminado el fascismo en Italia, miles de personas buscan como salir de la pobreza, entre ellos, Antonio Ricci un hombre que necesita a toda costa un empleo para solventar a su familia, ya que no puede vivir empeñando sus cosas siempre. Un buen día tiene la oportunidad de trabajar pero para ello necesita una herramienta esencial, una bicicleta, que por entonces era un bien tan preciado como un carro en la actualidad.

Desde ese momento conocemos la dinámica familiar de Antonio, junto a su esposa y sus dos hijos, siendo el mayor el carismático acompañante de su padre durante las idas y venidas de su suerte. Vittorio De Sica homenajea así a los padres que tuvieron que sacar a su familia de la pobreza tras la segunda guerra mundial y nos acerca a una Roma que lucha por levantarse de los escombros. No hay nada en este filme que sea idealizado, es la realidad italiana posfacista dura y cruda.

La naturalidad de sus actores, por entonces no profesionales, le da un toque de cercanía con el espectador, independientemente de la fecha en la que sea vista.

El filme ganó el Óscar y el Globo de Oro a mejor película extranjera.

Tony Hastings (Jake Gyllenhaal)

Película: Animales nocturnos

Año: 2016

Director: Tom Ford

Tony Hastings es un personaje de ficción creado por uno de los personajes principales de este filme. Ambos, el ficticio y el real, son interpretados por el mismo actor, un destacado Jake Gyllenhaal, quien en el mundo real es un novelista que logra tener éxito luego que su pareja lo dejará por considerarlo poco valioso para ella.

El novelista, entonces, logra crear una obra literaria sumamente violenta y que se convierte en la parte más dura de ver en el filme. En esta novela, Tony Hastings es un padre de familia, cuya esposa e hija sufren el peor de los crímenes. Decidido a buscar venganza, Tony vaga por el desierto hasta encontrar a uno de los culpables, el cruel y cínico Ray, interpretado magistralmente por Aaron Taylor-Johnson.

Tony es como se percibía su autor años antes, un hombre tímido, incapaz de defender a alguien, bastante mediocre y hasta asustadizo, alguien que podría decepcionar a cualquier persona con sus acciones, incluso a su propia familia. Y esta actitud hace que la culpa lo consuma por dentro. Lo mismo que sentía el autor cuando fue abandonado por su pareja. Culpa por haber sido el motivo de la ruptura.

Dirigida por el diseñador, Tom Ford, "Animales salvajes" es una excelente película de suspenso que alertamos ver con la amplitud necesaria para soportar algunas escenas. Por este filme, Tom Ford ganó el Gran Premio del Jurado en el Festival de Cine de Venecia y fue nominado a mejor guion y mejor dirección en los Globos de Oro y el BAFTA.

Winfried Conradi / Toni Erdmann (Peter Simonischek)

Película: Toni Erdmann

Año: 2016

Director: Maren Ade

Winfried es un hombre que no se toma la vida en serio, y eso es lo que quiere transmitirle a su hija, quien se encuentra en el otro extremo. Ella es una yuppie millenial que casi siempre se muestra seria, tanto gesticularmente como en su forma de vestir.

Winfried la persigue hasta Rumania para enseñarle que el éxito en la vida no es necesariamente olvidar su empatía y dejar atrás su vida personal. La hija lo culpa de querer arruinarle la vida con su presencia tosca y su humor desagradable, pero Winfried no se da por vencido, decide crearse un alter ego, que le da nombre al filme, para seguir con su misión.

Una comedia bastante interesante aunque ciertamente un poco cliché, pero que se nutre de algunas referencias culturales poco conocidas por este lado del mundo para mostrar que las divisiones entre seres humanos no son tan grandes como la sociedad suele hacernos creer.

El filme fue nominado al Óscar, el Globo de Oro, el BAFTA y el Goya a mejor película en idioma extranjero y ganó todos los premios importantes de la gala de los Premios de la Academia de Cine Europeo.

Anthony (Anthony Hopkins)

Película: El padre

Año: 2020

Director: Florian Zeller

Un hombre en el ocaso de su vida no logra distinguir entre la ficción y la realidad. Este caos mental lo agobia y hace que su vida se vaya consumiendo más rápido.

Al inicio vemos a un padre, Anthony, algo lúcido dentro de sus alucinaciones, pero conforme avanza la trama, su enfermedad le hace perder todas sus fortalezas, siendo el punto más álgido aquella notable escena en el hospital donde Anthony Hopkins, el actor, se luce en uno de sus mejores roles interpretativos.

La oscuridad de la demencia senil está tan bien tratado que el propio espectador parece perderse como el mismo Anthony. Las consecuencias, son igualmente sentidas, pues es imposible no empatizar con el reflejo de lo que alguna vez seremos. En el fondo la vejez siempre es miedo y soledad.

Acompañan el reparto Olivia Colman como la hija y Olivia Williams como la enfermera que tratan de atender y entender a un hombre cada vez más vulnerable.

Por este rol Hopkins obtuvo el segundo Óscar de su carrera. La película también se llevó el Óscar a mejor guion adaptado ya que está basada en la obra de teatro del mismo nombre y creada, además, por el mismo director.

Haydar Sener (Necmettin Çobanoglu)

Película: Viaje a la esperanza

Año: 1990

Director: Xavier Koller

La mejor película que podrás ver sobre la inmigración y eso que se hizo mucho antes de las olas migratorias que hoy acuden a Europa huyendo de las guerras y el hambre.

Haydar es un padre de familia turco que tiene 7 hijos y lleva una vida tradicional en la Turquía rural. Un día, atraído por una postal de los alpes suizos y por las historias de éxito de los turcos que viajaron a una Europa que dejó atrás el muro de Berlín, decide emigrar junto a su esposa y uno de sus hijos para educarlo en el viejo continente y asegurarse una buena vejez.

El padre es un utilitarista familiar que sólo desea tener un futuro exitoso en Europa, y para ello es capaz de soportar cualquier inconveniente. Lo que sigue, sin embargo, es mucho más que eso, es una puesta en escena de la cruda realidad que viven miles de inmigrantes que se topan con crueles traficantes de personas y una sociedad que no los recibe de la mejor manera.

La odisea familiar terminará en tragedia para este padre cuyas decisiones lo llevan al abismo. El filme ganó el Óscar a mejor película extranjera en 1991.

Jackie Elliot (Gary Lewis)

Película: Billy Elliot

Año: 2000

Director: Stephen Daldry

Antes de producir y dirigir algunos episodios de "The Crown", Stephen Daldry ganó notoriedad internacional por este retrato del interior de Inglaterra durante el thatcherismo.

Para ejemplificar a la sociedad de entonces, machista, rural y en continuas huelgas, nos presenta a Billy Elliot, un preadolescente que no quiere ir a las clases de boxeo que solventa su padre, sino a las de ballet. Y así lo hace, a escondidas, pues su hermano y su padre forman parte de un círculo de mineros aguerridos que no verían con buenos ojos su talento para la danza.

Jackie Elliot, el padre, deprimido por la muerte de su esposa y por la crisis económica que golpea a los mineros en los primeros años de Margaret Thatcher en el poder, reprende a su hijo, quien rebelde como es natural a su edad, decide seguir bailando hasta demostrarle, en una escena muy. bien lograda, que si no sale de ese lugar nunca podrá triunfar en lo que realmente es bueno.

La película, que cuenta con una banda sonora alucinante, fue nominada a tres premios Óscar, entre ellos, mejor director y mejor guion original.

Padre (Casey Affleck)

Película: La luz de mi vida

Año: 2019

Director: Casey Affleck

En un mundo distópico una pandemia ha ocasionado la desaparición de las mujeres. Solo una niña ha logrado vencer a la enfermedad generando inmunidad, pero es esta misma inmunidad la que la hace vulnerable en una sociedad donde solo existen hombres. La trama puede parecerse mucho a "The last of us" pero la puesta en escena no tiene nada en común con el videojuego y la serie de HBO.

Cassey Affleck interpreta al padre de la joven inmune a quien viste como chico para pasar desapercibida en las calles. Pero sabe muy bien que esa estrategia no durará mucho tiempo, menos en un mundo apocalíptico, así que debe entrenar a su hija en códigos y búsqueda de "lugares seguros".

Affleck, que además de director y actor también es el guionista, entrega un producto bastante interesante aunque también muy denso. Durante el 80% del filme casi no pasa nada, no vemos grandes resoluciones o una tensión creciente que exigiría una trama como esta; sin embargo, hacia el final, todo lo que ha guardado durante gran parte del filme explota con escenas muy bien logradas.

El filme fue estrenado a inicios del 2019 en el Festival de Cine de Berlín.

Geppetto (David Bradley)

Película: Pinocho

Año: 2022

Director: Guillermo Del Toro

El Geppetto de Guillermo Del Toro es un padre en luto perpetuo. Un padre que en una noche oscura decide jugar a ser Dios y crea una criatura que reemplace a su hijo perdido.

El Geppetto más humano que el cine ha podido crear en esta epopeya en stop motion que traza muchos mensajes ocultos a través de una narrativa poco convencional para un cuento de hadas, pero efectiva y conmovedora al mismo tiempo. Pinocho ya no es el niño que quería ser humano, sino un niño que quiere ser aceptado y, por el contrario, es aquí Geppetto el que obtiene la moraleja de querer a su creación tal y como es.

Por este filme, Guillermo Del Toro se llevó el tercer Óscar de su carrera.

Jimmy Markum - Sean Penn

Película: Río místico

Año: 2003

Director: Clint Eastwood

Una suceso marcará para siempre la vida de Jimmy Markum y sus dos amigos. Pasados los años, aquella situación será la semilla que generará sospechas sobre el presunto asesino de su hija.

En la primera hora del excelente filme de Clint Eastwood, vemos a un Jimmy carcomido por el duelo, tratando de buscar una respuesta al porqué alguien le arrebataría la vida a su hija, si ella solo tenia 19 años. Aquí la maestría de Eastwood nos hace preguntarnos, por duro que suene, si Jimmy también pensó ello en los años posteriores al suceso que marcó su amistad. Al fin de cuentas, la inocencia de ambas víctimas los une en la tragedia.

En la segunda parte, el duelo del padre pasa a motivar una venganza incontrolable que lo lleva a cometer más de un error. ¿Qué haría un padre en una situación así?, Jimmy es cínico y cruel por su propia crianza, pero en el fondo los verdaderos malos de la película están alrededor.

Una de las mejores películas en la trayectoria del cineasta y actor californiano, que se llevó dos Óscars y dos Globos de Oro, en la categoría de mejor actor para Sean Penn y de mejor actor de reparto para Tim Robbins, que en realidad debió postular a la categoría de actor principal también.

Edward Bloom (Albert Finney)

Película: Big fish

Año: 2003

Director: Tim Burton

Una fábula hermosa que retrata las diferencias en torno a la visión de la vida entre padre e hijo. Edward Bloom es un hombre que vive de las historias, las exagera y las vuelve cuentos maravillosos, su hijo Will, interpretado por Billy Crudup, es un hombre pragmático que considera inverosímiles las historias de su padre, hasta que se da cuenta que algo de real tenían.

Nadie más adecuado que Tim Burton para llevar a cabo esta relato bañado en realismo mágico sobre la vida de Edward Bloom, un padre que al final de su vida sólo quiere reconciliarse y ser comprendido por su hijo. El filme está basado en la novela de 1998, "Big Fish: A Novel of Mythic Proportions", escrito por el ilustrador Daniel Wallace, quien se inspiró en su padre para escribir la obra. Tim Burton también se inspiró en su progenitor, que falleció 3 años antes, para representar a Edward Bloom en la gran pantalla.

La película tuvo 4 nominaciones al Globo de Oro y 1 nominación al Óscar.

Luis Felipe Camino (Hernán Romero)

Película: No se lo digas a nadie

Año: 1998

Director: Francisco Lombardi

Basada en la novela homónima de Jaime Bayly, "No se lo digas a nadie", la película causó igual repercusión entre los peruanos por ser la primera en tratar abiertamente el tema de la homosexualidad en el cine comercial.

La trama sigue a Joaquín Camino, un joven de clase media alta que vive en una de las más conservadoras ciudades de Latinoamérica, Lima, y que debido a su orientación y pésima relación con sus padres, se ve envuelto en una espiral de sexo y drogas muy propias de la liberalización de la sociedad de fin de siglo.

Luis Felipe, el padre, no soporta la debilidad de su hijo y lo humilla constantemente. Esta debilidad, según el rol paterno de la época, se basa en su poco apego por la caza, las mujeres y la violencia, símbolos de un machismo latino muy arraigado entre la burguesía limeña de entonces. Luis Felipe trata a todos desde un punto jerárquico muy superior; a sus hijos, a su esposa y a sus empleados. Por ello, no soporta la rebeldía de Joaquín que le enrostra en la cara que nada de lo que posee puede ser perfecto y que por el contrario, su sola existencia podría avergonzarlo.

Un guion adecuado a la novela, aunque menos transgresor, un fiel retrato de la Lima de los 90s y muy buenas actuaciones, entre ellas la del notable Hernán Romero como Luis Felipe Camino, hicieron que este filme de Lombardi postule a la Concha de Oro en el Festival de Cine de San Sebastián.

Earl Partridge (Jason Robards)

Película: Magnolia

Año: 1999

Director: Paul Thomas Anderson

No hay película que mejor trate la paternidad fallida que "Magnolia" del laureado Paul Thomas Anderson. El tercer largometraje del director californiano, explora la personalidad de Frank, Claudia, Stanley y Donnie, personajes marcados por la figura ausente o demasiado presente del padre.

Por otro lado, el filme nos muestra a esos malos padres frontalmente o debajo de una fachada de perfección. Jimmy, Rick y Earl, quienes con sus acciones forjaron el carácter de sus hijos y por ende de su entorno. La película entrelaza historias alrededor de ellos, las cuales nos muestran como una sola decisión en el seno familiar puede generar todo un cambio sistémico en la vida de más personas. "Los pecados del padre caerán sobre los hijos" dice en cierto momento el narrador.

Al final, la película nos va develando qué se esconde tras cada uno de los personajes mostrados, y aquí nos detenemos en la figura de Earl, un padre ausente que al final de su vida desea hablar con aquel hijo abandonado, Frank, interpretado magistralmente por Tom Cruise en un rol que definitivamente debió valerle el Óscar de ese año. Frank, busca el perdón, pero como se nos dice en el filme "¿Qué es lo que podemos perdonar?".

¿Se puede perdonar la violencia, el horror y la ausencia? Paul Thomas Anderson deja esa respuesta en manos del espectador. Esta es una película que te dejará pensando horas después de verla.

El filme, ganó el Oso de Oro a mejor película en el Festival Internacional de Cine de Berlín, el Globo de Oro a mejor actor secundario para Tom Cruise y estuvo nominado a mejor guion en los premios Óscar.

Chris Nielsen (Robin Williams)

Película: Más allá de los sueños

Año: 1998

Director: Vincent Ward

Basado en la novela homónima de Richard Matheson, el autor de "Soy leyenda", este filme recorre la vida y muerte del Doctor Chris Nielsen, cuyos hijos fallecieron anteriormente y cuya esposa, aun con vida, no puede lidiar con el luto.

Chris, ya muerto, viaja en una aventura digna de Dante Alighieri por el más allá y en el camino se topa con personajes que le harán comprender la necesidad de dejar ir y la importancia filosófica de la existencia o la falta de ella, paralelamente vemos flashbacks que nos sumergen en el contexto de la historia. Mientras Chris se encuentra ocupado en este viaje, su esposa toma una decisión que podría alejarla de él para siempre.

Esta película es un bonito relato sobre la vida, la muerte y las ideas que tenemos de la trascendencia humana. Esta llena de mensajes muy profundos en cada interacción de los personajes, además de plot twist muy bien llevados.

El filme ganó el Óscar a mejores efectos visuales y estuvo nominada a mejor dirección de arte.

Guido Orefice (Roberto Benigni)

Película: La vida es bella

Año: 1997

Director: Roberto Benigni

Durante la segunda guerra mundial, un hombre debe ocultar, tanto física como mentalmente, los horrores de un campo de concentración a su pequeño hijo, Giosuè, mientras trata de comunicarse con su esposa, Dora. Al final logra su cometido aunque pague un precio alto por ello.

Benigni mezcla aquí el drama propio de los campos de concentración con una comedia chaplinesca muy a la italiana. El resultado es un trabajo bien armado que logra hacer reflexionar a la audiencia sobre la importancia de la resilencia y la unidad familiar. Benigni escribió la historia basado en la experiencia de su propio padre, detenido durante la segunda guerra mundial en un campo de prisioneros y en la novela de Rubino Salmoni, un sobreviviente italiano del campo de concentración de Auschwitz.

Por este filme, Roberto Benigni ganó el Óscar a mejor actor y mejor película en idioma extranjero, ya que la dirigió. La película también fue premiada por su magnifica banda sonora. Además, se llevó el Gran Premio del Jurado en el Festival de Cine de Cannes.

Ted Kramer (Dustin Hoffman)

Película: Kramer versus Kramer

Año: 1979

Director: Robert Benton

Uno de los debates sociales del que poco se habla, llevado a la pantalla grande.

¿ Una madre debe ser siempre la primera opción para entregar la patria potestad de un hijo/a?. Robert Benton analiza esta convención social aceptada casi en todo occidente con la historia de Ted Kramer, un hombre que vive por su trabajo pero que también debe hacerse cargo por completo de su hijo tras el abandono de la madre. Kramer aprende a ser padre y deberá manejar de la mejor manera su vida profesional con su vida familiar, algo que también muchas madres deben hacer cuando son madres solteras o deciden trabajar. Es interesante cómo aquí es el género masculino sobre quien cae esta doble tarea por años invisibilizada. De hecho el filme también cuestiona el porqué una mujer no puede tener las mismas ambiciones que un hombre.

Tiempo después, cuando ya Ted Kramer ha logrado cierta estabilidad, regresa la madre al hogar con la intención de tener la custodia del niño. Es entonces que el drama se convierte en un filme jurídico ubicándonos ante la pantalla como si fuésemos el jurado. ¿Se merece a patria potestad Kramer o su esposa? ¿Bajo el cuidado de quién estará mejor protegido el pequeño Billy? Benton trata de no hacer juicio valórico alguno, aunque el final sea sobrecogedor.

La película ganó 5 premios Óscar, incluyendo mejor película, mejor director, mejor actor para Dustin Hoffman, mejor actriz secundaria para Meryl Streep y mejor guion adaptado ya que se basa en la novela homónima de Avery Corman.

Norman Thayer Jr. (Henry Fonda)

Película: En el estanque dorado

Año: 1981

Director: Mark Rydell

Dos de las más grandes estrellas de Hollywood, Henry y Jane Fonda, recrean en este drama de Mark Rydell a un padre y una hija en continuo conflicto. Dicen quienes conocían a la familia Fonda, que así era también la tirante relación entre ambos en la vida real.

Norman, un padre en el ocaso de su vida, nunca ha tenido una buena relación con Chelsea, su hija, a quien siempre critica. Su hija, rebelde y con un notorio resentimiento, no perdona el desdén del padre y se lo hace saber durante una corta estancia en la casa de lago. La relación parece insalvable por más intentos por restablecerla que haga la madre, Ethel, interpretada extraordinariamente por Katharine Hepburn, quien por primera vez compartía roles con los Fonda.

Los diálogos duros y mordaces y la notable actuación del reparto hace de este uno de los dramas familiares por excelencia.

Tanto Katharine Hepburn como Henry Fonda ganaron el Óscar a mejor actuación por este filme, que además se llevó el premio a mejor guion adaptado por llevar al cine la obra de teatro de Ernest Thompson.

Seymour "el sueco" Levov (Ewan McGregor)

Película: Pastoral americana

Año: 2016

Director: Ewan McGregor

Ewan McGregor llevó a la pantalla grande el más célebre libro de Philip Roth y nos dejó un trabajo interesante que cuenta con técnicas cinematográficas de buen nivel, como la fotografía y la dirección de arte que en esta adaptación están muy bien llevadas y son coherentes con la historia.

La trama se desarrolla en el Estados Unidos de la guerra fría y somos testigos del devenir caótico de un padre que no termina de comprender a su hija, marcada por la rebeldía de los años 60s y 70s. Después de un atentado, su hija huye y no volverá a ser la misma. Seymour, el sueco, va en busca de ella como si de su única meta en la vida se tratara, dejando atrás a su esposa, perdida en la depresión.

El padre, sobrelleva los problemas tanto como puede hasta darse cuenta que no sólo ha perdido a su hija físicamente, si no también espiritualmente, pues ella vive en un mundo difícil de asimilar para él y para la sociedad en general. Un cambio generacional llevado al extremos por las ideas más radicales imposibles de comprender para un padre que pretendía tener la familia modelo norteamericana.

La película fue presentada en el Festival de Cine de San Sebastián donde convenció a parte de la crítica, aunque otros cuestionaron la actuación de los protagonistas. Como dato curioso, Philip Roth, el autor de la obra original y por la cual ganó el premio Pulitzer, no tuvo hijos.

Marlin (Albert Brooks)

Película: Buscando a Nemo

Año: 2003

Director: Andrew Stanton y Lee Unkrich

Andrew Stanton escribió y dirigió esta historia sobre un pez payaso que se pierde, Nemo, y un padre sobre protector, Marlin, que va en su búsqueda junto a una olvidadiza pez cirujano azul llamada Dory.

Nemo es el único hijo sobreviviente del ataque de una barracuda a la familia de Marlin. Debido al trauma generado, Marlin sobre protege a Nemo de cualquier peligro, pero como sabemos ninguna protección por más alta que sea puede blindarte ante los peligros de la vida misma.

La odisea de Marlin en la búsqueda de Nemo le hace madurar y replantearse su vida y su rol como padre. Esta es una de las películas que mayor peso emotivo le ha dado a la figura paterna en la animación.

Este filme ganó el Óscar a mejor película animada y estuvo nominada a mejor guion original, mejor banda sonora y mejor edición de sonido.

Daniel Hillard / Mrs. Euphegenia Doubtfire (Robin Williams)

Película: Mrs. Doubtfire

Año: 1993

Director: Chris Columbus

Basada en la novela "Alias Madame Doubtfire" de la escritora inglesa Anne Fine, "Mrs. Doubtfire" nos cuenta la historia de Daniel, un padre considerado mediocre e incapaz por una esposa cada vez más exitosa. Miranda, quien decide no continuar con el matrimonio, en parte por la diferencia entre ambos y en parte porque se siente atraída a otra persona que se encuentra en el nivel de madurez y éxito que ella espera.

Para poder seguir viendo a sus hijos, Daniel decide convertirse en lo que más necesita Miranda en ese momento, un ama de llaves que cuide a los niños. Así nace Mrs. Doubtfire, una mujer que tiene todos los estereotipos de una señora madura británica.

La película ganó el Óscar y el BAFAT a mejor maquillaje y el Globo de Oro a mejor película de comedia o musical y a mejor actor para Robin Williams.

Samuel Perlman (Michael Stuhlbarg)

Película: Call me by your name

Año: 2017

Director: Luca Guadagnino

El despertar adolescente puede ser muy duro cuando escapa a las convenciones sociales, por ello es importante tener a los padres adecuados. Elio Perlman, no podía tener mejor padre en esa situación. Su padre Samuel, hombre intelectual y progresista, sabe lo que pasa su hijo sin necesidad de que éste se lo cuente.

En una de las escenas más conmovedoras del filme, Samuel conversa abiertamente con su hijo sobre la importancia de no ocultar los sentimientos y de vivir el ahora antes que los años pesen.

La película está basada en la obra homónima del egipcio André Aciman, quien se centró en la figura del padre para su siguiente novela, "Find me".

"Call me by your name", ganó el Óscar a mejor guion adaptado y fue nominada a mejor película, mejor actor para Timothée Chalamet y mejor canción Original para "Mystery of Love" de Sufjan Stevens.

Jack Torrance (Jack Nicholson)

Película: El resplandor

Año: 1980

Director: Stanley Kubrick

Un padre de familia es contratado para cuidar de un hotel durante el crudo invierno, aunque le advierten que el vigilante anterior perdió la cabeza y asesinó a su familia. Jack, el padre, decide tomar el puesto a pesar de la advertencia.

De Jack sabemos poco. Sabemos que era profesor pero no sabemos porque ya no lo es, también que tuvo un episodio con el alcohol y que golpeó a su hijo, el cual además es un niño muy extraño que tiene un amigo imaginario tenebroso. La esposa de Jack, es la típica ama de casa que de pronto ve como su esposo cambia su carácter por uno violento. ¿O quizás siempre fue así? Su hijo, que además ve los fantasmas del hotel, también muestra un comportamiento extraño.

Esta es una película que hay que ver con atención, pues en cada escena parece darnos indicios del oscuro drama familiar. Este primer acercamiento. de Kubrick al género del terror se ganó elogios posteriores ya que al inició no fue bien acogida por la crítica e incluso se convirtió en la primera película del mítico director en no ser nominada a ningún Óscar. El guion está basado en la novela homónima de Stephen King, aunque guarda notorias diferencias con el libro. Por ejemplo en el libro no existe la escena del mar de sangre que inunda el vestíbulo.

Martín Echenique (Federico Luppi)

Película: Martín (Hache)

Año: 1997

Director: Adolfo Aristarain

Martín Echenique es un guionista exitoso que radica en Madrid, luego de abandonar Argentina (país que no soporta según vemos en una conversación con su hijo, después). Cierto día recibe la noticia de que su hijo se intentó suicidar por medio de una sobredosis. Martín, padre, viaja a Argentina solo para saber cómo está y regresarse pero se da con la sorpresa de que su exesposa, que ya rehizo su vida, desea que se lleve a su hijo, Martin (H. de hijo) a vivir con él en España.

Martín, padre, no se siente a gusto con la idea y a pesar que acepta rehuye a su rol de padre cuidador. Es un hombre libre a quien no le gusta la convivencia con nadie, incluyendo a las personas que más ama. Suele hacerle daño a las personas a su alrededor debido a su carácter hermético y no soporta ser abrumado por problemas de otros. Es un hombre de izquierdas que no tiene empatía, una critica muy mordaz, por parte del director, hacia la progresía latinoamericana.

Martin, hijo, encuentra respaldo en la pareja y el mejor amigo del padre y sabe muy bien que no podrá cambiar jamás a ese hombre que sólo se ama a sí mismo y lo descubre tras una tragedia que afecta al grupo.

Buenísimo retrato de la paternidad que no desea mayores responsabilidades, de la mano del siempre efectivo Adolfo Aristarain, quien también es guionista y argentino y obtuvo la nacionalidad española tiempo después. La película le valió la Concha de Plata al mejor actor en el Festival de Cine de San Sebastián a Federico Luppi por este retrato impecable de un padre distante aun cuando está cercano fisicamente.

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2023